lunes, 9 de diciembre de 2013

“Historias de Filadelfia” 1940- George Cukor






La mayoría de las películas tienen el poder de atracción sobre los espectadores como nosotros  de determinadas maneras. A algunas nos acercamos porque la historia que nos van a contar nos atrae de manera fulminante y apenas nos importa el resto de la composición. Otras las vemos porque en ellas aparece nuestro actor o actriz preferida y, sin importarnos nada más, acudimos a ver esos planos que marcarán para siempre nuestro futuro como amantes del séptimo arte. En otras ocasiones pensamos encontrar algún recurso técnico innovador que nos pueda llamar la atención, o simplemente porque nos agrada ver la fotografía o escuchar la música compuesta para la cinta. Finalmente, existen otro tipo de películas que reúnen en su conjunto todas las características anteriormente señaladas, además de disponer de un gran director que tiene en sus manos un guión excepcional y por tanto  hacen de ellas una obra maestra del séptimo arte. Entre estas últimas incluiría a “Historias de Filadelfia”.

Catalogada como una de las 100 mejores películas americanas de la historia por el American Film Institute, ganadora de 2 Oscars de la Academia de Hollywood en su apartado de mejor actor para un grandioso James Stewart en su papel de escritor de la alta sociedad y mejor guión adaptado para el escritor Donald Orden, representa la época dorada del cine estadounidense de los años 40 en el género de la comedia romántica. Comedia y romanticismo que se funden en una historia de amor que en ningún momento resulta desmesurada y se complementa con unos diálogos ágiles que hacen avanzar la acción sin perjudicar al argumento. A ello contribuye George Cukor,  uno de los grandes directores de actores de todos los tiempos, y un apoyo por parte de otro gran peso pesado dentro de la historia del cine como Mankiewicz en su papel de productor.

El elenco de actores junto al ya mencionado James Stewart lo completan un elegantísimo Cary Grant y Katherine Hepburn, musa del director de esta película y con el que trabajó en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera, siendo reconocido finalmente con un Oscar al mejor director por “My Fair Lady” con Audrey Hepburn  en 1964.

Si toda la película en su conjunto se pudiese calificar de obra maestra, hay varios planos que siempre permanecerán en nuestras retinas y desearemos que lleguen cada vez que nos sentamos a visionar una vez más esta cinta. Uno de ellos es poder contemplar la secuencia de la piscina en la que Katherine  Hepburn realiza un salto de trampolín sin ningún doble y el otro cuando después de una fiesta y habiéndose bebido alguna copa de más, es trasladada en brazos por James Stewart hacia su habitación. También añadiría la secuencia final, con un desenlace previsible y bien resuelto, que no voy a comentar por si alguien aún ha cometido el pecado de no haberla visto hasta este momento. Para lograr la absolución solamente se necesitan 102 minutos delante de la pantalla y un DVD para  visionar  esta maravillosa película cada vez que nos interese ver cine del que ya no volverá.
 Jose.-

martes, 29 de octubre de 2013

Cine Francés






Aún siendo bastante amplio el tema propuesto para este artículo intentaré incluir lo más representativo y que a mi juicio merecería la pena visionar al menos alguna vez en la vida de un cinéfilo. Siendo uno de los cines más proteccionistas que han existido y existen no es extraño que siga siendo un gran desconocido en muchas partes del mundo.

Comenzaré por Renoir, hijo del pintor impresionista del mismo apellido, y que se convirtió en la primera figura del cine francés durante la primera mitad del siglo anterior. Atravesando por diferentes etapas cinematográficas a lo largo de su carrera, que terminó en Hollywood donde falleció en 1979, podemos destacar las siguientes películas entre su extensa filmografía: “La Golfa”, “La Marsellesa”, “La regla del juego”, “La Gran Ilusión” y “El río”.

Los autores de la Nouvelle Vague surgida en los años 60, que reciben una influencia directa del anterior cineasta, se van a caracterizar por realizar unas producciones de bajo presupuesto con equipos modestos y en la mayoría de las ocasiones rodando en exteriores y cámara al hombro. Entre los directores pertenecientes a este grupo se pueden citar a: Truffaut con “Los 400 golpes” y “Fahrenheit 451”, Godard con “Al final de la escapada” y “El desprecio” y Rohmer con “La marquesa de O” y “Mi noche con Maud”.

A partir de los años 80 se podría incluir a Bertrand Tavernier, director consagrado actualmente, y que entre sus numerosas cintas podríamos destacar: “La vida y nada más” y “Hoy empieza todo” y a Jean-Pierre Jeunet con películas como:“Delicatessen” y la más conocida “Amelie” que por medio de la actriz Audrey Tautou nos plantea una bonita historia en el barrio de Montmartre de Paris.
Jose.-

sábado, 28 de septiembre de 2013

Cine japonés



Cine Japonés

Dedico este artículo a uno de los cines más importantes en la historia del séptimo arte y al que en mi opinión no se le dedican los suficientes espacios para emitir sus películas y dar a conocer los trabajos que han realizado y siguen realizando  sus directores.

Aún siendo difícil hacer una selección de obras que se han rodado desde el nacimiento del cine en Japón, me he arriesgado a elegir una lista de directores y películas que considero más representativas dentro de sus filmografías. No voy a comentar ninguna de ellas ya que todas son importantes y por tanto habría que dedicar un libro entero a este espacio, como los numerosos que existen en el mercado editorial, sino simplemente anotarlas por si a alguien le interesan y no las ha visto pueda buscarlas y visionarlas.

·         Akira Kurosawa:
1.      Los siete samurais
2.      Ran
3.      Yojimbo
4.      Rashomon
·         Yasujiro Ozu:
1.      Cuentos de Tokio
2.      Buenos días
3.      El sabor del sake
·         Seijun Suzuki:
1.      Historia de una prostituta
2.      Una historia de dolor y tristeza
·         Shohei Imamura:
1.      La balada del Narayama
2.      La anguila
3.      Doctor Akagi
·         Nagisa Oshima:
1.      El imperio de los sentidos
·         Takeshi Gitano:
1.      El verano de Kikujiro
2.      Zatoichi
·         Hayao Miyazaki:
1.      El viaje de Chiriro

viernes, 2 de agosto de 2013

Casablanca



“Casablanca” 1942- Michael Curtiz-

Si hubiera que salvar una película en toda la historia del cine, posiblemente, esta cinta sería la elegida entre el resto. A su nivel estarían otras producciones rodadas desde los inicios del séptimo arte hasta nuestros días, pero la mezcla de cine negro con una fotografía expresionista, un guión perfecto, una producción meticulosa y una interpretación a cargo de dos de los actores más grandes que han existido (Ingrid Bergman y Humphrey Bogart), hacen de esta película la candidata número uno a la salvación propuesta en la primera línea.

Ambientada en la ciudad marroquí de Casablanca, pero rodada íntegramente en estudios cinematográficos, narra una historia de amor bajo la ocupación alemana y el gobierno de Vichy instalado en Marruecos. Conforme avanza la película nos encontramos en medio del Café Rick, regentado por Humphrey Bogart, con un elenco de actores secundarios entre los que destacan Dooley Wilson en el papel de Sam, un pianista negro que interpreta una de las melodías más famosas en la historia del cine: “As time goes by”; y Claude Rains interpretando al capitán francés Renault.

 La acción  se desarrolla manteniendo una intensidad media durante gran parte de la película para ir subiendo vertiginosamente hacia uno de los finales más emblemáticos de la historia del cine, final que se rueda en un aeropuerto de Estados Unidos, siendo la única localización externa a los estudios cinematográficos, y para el que se construye un avión de cartón a escala y se contrata a extras de baja estatura para mantener las proporciones sobre el fondo.

La dirección está a cargo de Michael Curtiz, cineasta de origen húngaro, que se traslada a Alemania después de la Primera Guerra Mundial para recalar en Hollywood  posteriormente, donde rodará cintas de aventuras como: “El capitán Blood” y “Robin de los bosques”, algún western como “Camino de Santa Fe”, y la adaptación de la novela de Mark Twain “Las aventuras de Huckleberry Finn” entre otras producciones.

La música está elaborada por el gran músico austriaco  Max Steiner, que tiene en su haber películas como “Lo que el viento se llevó” y “Centauros del desierto”; y la fotografía es obra de Arthur Edeson, que como curiosidad habría que destacar la filmación de la mayoría de los planos de Ingrid Bergman por el lado izquierdo, su perfil bueno, aplicando un filtro suavizador para lograr el máximo esplendor de uno de los rostros más bellos que han aparecido en la pantalla gigante.

Esta película fue galardonada con tres Oscars de la Academia en las categorías de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado. En definitiva, una gran obra de arte reconocida por Hollywood y admirada por millones de amantes del séptimo arte en todo el mundo.

Jose.-

sábado, 6 de julio de 2013

Dos nuevas listas



LAS DIEZ MEJORES ACTRICES DE LA HISTORIA DEL CINE

  1. Audrey Hepburn
  2. Katherine Kepburn
  3. Barbara Stanwyck
  4. Lauren Bacall
  5. Ingrid Bergman
  6. Bette Davis
  7. Elizabeth Taylor
  8. Greta Garbo
  9. Shirley Maclaine
  10. Ava Gadner



LOS DIEZ MEJORES ACTORES DE LA HISTORIA DEL CINE


  1. Cary Grant
  2. Marlon Brando
  3. Gary Cooper
  4. Rock Hudson
  5. Humphrey Bogart
  6. Paul Newman
  7. Robert Redford
  8. Jack Lemmon
  9. Henry Fonda
  10. Robert Mitchum

lunes, 29 de abril de 2013

Fawlty Towers Serie BBC



Fawlty Towers

Aquellos que  no hayan visto esta serie de comedia británica de los años 70 pueden hacerlo y disfrutar de los doce episodios que se desarrollan en un hotel de Inglaterra, que en su momento rodó John Cleese, uno de los miembros de los Monty Python, en compañía de otros actores ingleses y donde uno de ellos representa a un camarero español llamado Manuel cuya palabra clave es “¿Qué?” cuando escucha algo en inglés y no lo entiende; palabra que por cierto se usaba en plan cómico por parte del público británico que seguía la serie cuando no entendían algo en sus diálogos cotidianos.

Esta comedia fue fruto de los viajes que hacían los miembros de los Monty Python por Inglaterra para rodar su serie y después de alojarse en los hoteles, John Cleese veía que había camareros extranjeros que apenas hablaban inglés y creaban situaciones cómicas mientras trabajaban, por lo que decidió plasmarlo en la pantalla por medio de la producción de la BBC y con un camarero llegado de Barcelona (España) que atraviesa situaciones muy divertidas, siempre con el toque de humor inglés.

Incluyo un enlace de la web de la BBC donde se puede obtener una información muy completa sobre la serie, y para aquellos que quieran conseguirla en Dvd original que sepan que  pueden tenerla en un paquete que viene con tres discos y a veces se encuentra en oferta por menos de 20 euros.
Jose

sábado, 30 de marzo de 2013

Actor´s Studio

Enlace a una de las escuelas de interpretación más valoradas del mundo y con una trayectoria de más de medio siglo enseñando a sus alumnos conforme al método Stanilavski: 
http://theactorsstudio.org/